jueves, 26 de noviembre de 2009

MEDIDAS CONTRA LA ENDOGAMIA ARTÍSTICA (Lista de bonitos deseos poco realizables)

- Es un hecho que el sistema artístico mexicano, como otros muchos aspectos de la vida del país (el empresarial, el político, el sindical, el social, el económico, el académico) sirve a los intereses de un grupo pequeño que se perpetúa en el poder. Vemos siempre los mismos nombres en todas las situaciones. Deben existir medidas que lo impidan.

DEBE HABER DEFINICIONES
- Se hace imperativo definir muchas nociones que sienten las bases para juicios más abiertos.
- Para empezar, hay que precisar las condiciones en que las instituciones públicas deban o no apoyar el mercado del arte.
- Debe definirse qué es un gasto necesario del presupuesto público en proyectos artísticos. Para empezar, debe basarse en la calidad y no en la burocracia.
- Por sí solo, el prestigio acumulado por alguien no debe valer nada. Sólo debe valer la calidad de cada proyecto particular.
- Para eso hay que definir la calidad artística. (La cuestión es demasiado extensa, equívoca, confusa y subjetiva para abordarla aquí. Ojalá podamos abordarla en otro lugar. Quizá sea una noción abstracta indefinible, pero es un hecho que ciertas obras concretas son más meritorias que otras.)
- Mientras tanto, ofrezco otras definiciones que he considerado pertinentes de algunos términos necesarios: conflicto de intereses, tráfico de influencias, amiguismo, nepotismo y uso de información privilegiada.

CONFLICTO DE INTERESES
- «Un “conflicto de intereses” implica un conflicto entre la misión pública y los intereses privados de un funcionario público, cuando este funcionario tiene a título privado intereses que pueden influir indebidamente en la forma en que cumple con sus obligaciones y responsabilidades.»

OCDE (cit. por Manuel Martínez Bargueño: La gestión de los conflictos de intereses en el servicio público: Líneas directrices de la OCDE y experiencias nacionales, Madrid: OCDE/Ministerio de Administraciones Públicas, Secretaría General Técnica, 2004. ISBN: 8495912228.)
Ver: http://www.oecd.org/dataoecd/24/11/36564290.htm


TRÁFICO DE INFLUENCIAS
- «Acción de conseguir cualquier ventaja o beneficio aprovechando la situación privilegiada que uno tiene por su cargo político o la relación con personas vinculadas al poder.»

Diccionario Castellano de Elpais.com (http://www.elpais.com/diccionarios/castellano/tr%C3%A1fico)

NEPOTISMO
- «Desmedida preferencia que algunos dan a sus parientes para las concesiones o empleos públicos.»

DRAE: http://buscon.rae.es/draeI/SrvltConsulta?TIPO_BUS=3&LEMA=nepotismo
AMIGUISMO
- «Tendencia a proporcionar cargos, puestos o premios a los amigos y conocidos, sin tener en cuenta merecimientos, capacidad, etcétera.»

Diccionario Castellano de Elpais.com (http://www.elpais.com/diccionarios/castellano/amiguismo)
«El amiguismo es una transacción recíproca en la que la parte A muestra su preferencia a favor de la parte B, basándose en pertenecer a una misma red social, a costas de una tercera parte C capaz de ofrecer mejor valor en la transacción.
Por tanto para que se dé el amiguismo hacen falta 4 condiciones:
1.- No debe existir un retorno explícito e inmediato a la situación de favor.
2.- Tiene que existir un valor de transacción.
3.- Las partes deben pertenecer al mismo sistema (red) social.
4.- Debe de existir un tercero que salga perdiendo.
[...]
1.- El amiguismo ocurre con mayor probabilidad en culturas de corte vertical y colectivismo social.
2.- El amiguismo se da con menos frecuencia en culturas de carácter horizontal y con mayor individualismo.»

El artículo original aquí comentado es: Naresh Khatri, Erik WK. Tsang y Thomas M. Begley: “Cronyism: A Cross-Cultural Analysis”, Journal of International Business Studies, volumen 37, número 1, enero de 2006, pp. 61-75. Y el comentario lo cito directamente de: http://www.interstrategies.net/desk/index.php?_m=downloads&_a=viewdownload&downloaditemid=41&nav=0,2,7
USO DE INFORMACIÓN PRIVILEGIADA
- «Información de la que dispone un pequeño grupo de personas por razón de su cargo, no accesible al público en general. Su utilización en beneficio propio, de los allegados o de terceros resulta ilegal [en España].»

(portal.lacaixa.es/docs/diccionario/I_es.html)

CONDICIONES SUGERIDAS PARA SOLICITAR UNA BECA
- El otorgamiento de becas públicas a artistas es un medio muy poderoso de legitimación, por lo que también funcionan como medios para privilegiar ciertos discursos artísticos y excluir otros. Personalmente pienso que debe haber ciertas condiciones para asignar las becas. Propongo lo siguiente:

- Que no más del 40% de las becas sean asignadas a solicitantes que provengan de los niveles socioeconómicos A y B. Es decir: determinar si el solicitante necesita el dinero o si ya tiene dinero de por sí.

- Que no haya preferencia por ciertos apellidos, municipios del país, escuelas ni discípulos de tal o cual maestro.

- Que el solicitante desglose el presupuesto para ver si no está inflado.

- Prohibir la asignación de becas a parientes, amigos, socios y parientes de socios de POLÍTICOS y en general funcionarios públicos de niveles medios y altos.

- Recuérdese que el arte no objetual también es vendible. Las obras puramente conceptualistas también suelen ser mercancías. Por ello, es una falacia que cierto arte sólo puede ser realizado con apoyos públicos.

- Si un artista trabaja con una institución privada prestigiosa y adinerada, prohibirle cualquier apoyo monetario público. Y que el apoyo no monetario (por ejemplo, en difusión) sea mínimo, acotado, auditado y público. Y que ese apoyo no sea «a fondo perdido», sino como inversión recuperable.

- Asimismo, evaluar si una actividad artística obtiene mayor prestigio gracias al apoyo del Estado. De ser ése el caso, tasar un impuesto a todos los beneficios económicos que le pudiera haber generado al artista o a los empresarios vinculados con él.

- Publicación ABIERTA, TRANSPARENTE y EXPLÍCITA de los criterios que hayan seguido los jurados en la asignación de becas y otorgamiento de premios, y para NEGAR esos premios y becas a los perdedores.

- Asimismo, publicación obligatoria de los nombres de los jurados el mismo día que aparezcan los resultados de los certámenes.

- Privilegiar a quienes, además de presentar un buen proyecto, nunca hayan recibido antes ningún apoyo de ningún tipo por parte de ninguna institución. Para ello debe haber una base de datos nacional. Y trabajar para formar una internacional.

- Rotar necesariamente a los privilegiados por becas. Quienes quieran recibir un apoyo por segunda vez (o posterior) deberán esperar cinco años antes de volver a presentar la solicitud. El jurado que evalúe su solicitud deberá ser totalmente distinto del que originalmente le otorgó el apoyo, y no deberá tener amigos ni parientes ni relaciones de autoridad ni subordinación con los miembros del primer jurado.

CONDICIONES SUGERIDAS PARA SER FUNCIONARIO PÚBLICO
- También hace falta regular la función pública en el ámbito del arte y la cultura. Se necesita:

- Que los trabajadores del mercado del arte (y sus amigos, prestanombres y parientes hasta en segundo grado), para ingresar a las instituciones culturales públicas, renuncien a su trabajo en la iniciativa privada un año antes. Evitar la privatización de hecho de los medios estatales de legitimación a favor de un pequeño grupo privado.

- Que existan frecuentes auditorías a la labor de los gestores culturales.

- Prohibir a los funcionarios culturales viáticos onerosos. Por ejemplo, que correspondan a más de lo que cueste un hotel de dos estrellas, o más que un viaje de avión en clase turista. Prohibir recepciones de gala y cenas de gala.

- Someter a consulta pública la necesidad de viajes al extranjero.

CONSECUENCIAS SUGERIDAS PARA LOS INFRACTORES
- Que exista rendición de cuentas y graves CASTIGOS a quienes violenten las reglas. Por ejemplo, inhabilitación por 20 años para volver a ser funcionario público. Por ejemplo, cárcel.

INCONCLUSIONES
Si este escrito detona la reflexión, habrá cumplido un cometido importante. Pero honestamente hablando no creo que cambie nada en la práctica. El poder y el dinero son demasiado seductores, y el arte es hoy tan indefinido y nebuloso que precisar su calidad es poco menos que imposible. Ni los ingleses escapan a la polémica cuando otorgan el Premio Turner. ¿Nosotros afrontaremos una poderosa red de intereses para tener un mundo artístico abierto y transparente...?




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martes, 24 de noviembre de 2009

Entrevista a El Ojo de Medusa en EL FINANCIERO

Ésta es una entrevista con Dhante Loyola, Eduardo Tecozautla y conmigo. Salió publicada en El Financiero el 7 de julio de 2009. Denle clic a la imagen para leer el texto.


viernes, 13 de noviembre de 2009

El desnudo / Lo estético

EL DESNUDO

El desnudo es un cuerpo atemporal por estar despojado de ropajes, pero no es ahistórico, pues atraviesa todas las épocas. El cuerpo humano, sobre todo desnudo, es el hilo conductor de la tradición artística occidental, y es el lugar compartido por los lenguajes visuales en la historia.

Ahora bien, actualmente en las revistas, la televisión y la internet presenciamos anatomías ideales, sintéticas, hechas para ser vistas por millones. Estos cuerpos de puro valor de cambio (cuerpos moneda) son espectáculo, superficie, sexualidad fría, no erótica. Es el fetiche inerte de la pornografía y la publicidad: la manipulación de un maniquí. En cierto momento, de representación en representación, del maquillaje a la cirugía plástica, se pierde el cuerpo «real». La misma desnudez, como dice Jean Baudrillard, «no se opone ya radicalmente al vestido, no es más que una variante suya».

Pero en otro momento podemos regresar al cuerpo real y mirar a la modelo en el taller: al posar, ella respira, transpira y puede sentir frío o cansancio. Sobre todo, hay con ella una relación directa de persona a persona, y ese trato irremplazable es uno de los motores de mi obra.

Principalmente se trata de celebrar, en el cuerpo de la mujer, la belleza.

LO ESTÉTICO

«Estética» viene del griego aisthesis (percepción). Su raíz está, pues, en lo que captamos por los sentidos. Es verdad que la pintura es una cosa mental, como lo dijo Leonardo da Vinci, y como lo repiten cada vez más artistas contemporáneos; pero empieza y acaba en lo que vemos, no en lo que pensamos (sin desconocer que también implica ideas).

Lo «postestético» (así llamado por el crítico estadounidense Donald Kuspit) usa la forma como un simple medio para explicar un mensaje: una consigna, un sermón, un eslogan o una ocurrencia «chistosa». Es la ilustración (fotografiada, videograbada, pintada...) de una idea. O a veces es sólo el trasplante a la obra de un pedazo de realidad cruda y banal.

Lo estético, por el contrario, es una forma que se identifica con un contenido: una y otro son inseparables. La factura material, la forma y la composición nos convocan a contemplar con placer las superficies de los objetos en la obra. Y sentimos empatía y comunión al ver una creación así, pues ella es análoga a la manera en que sentimos lo bello, feo, dramático o sublime.

En mi pintura aspiro a hallar lo «otro» en los cuerpos humanos que conocemos y vemos ordinariamente: lo especial que habita en lo común. Dentro de la estética, busco hacer de lo familiar un jeroglífico.
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lunes, 9 de noviembre de 2009

Tinta china para primer semestre






Hola, alumnos.


Les envío una imagen que deben traer para cuando dibujemos con tinta china. Es un dibujo de José Ma. Parramón que representa la catedral de Notre-Dame.

Impriman el dibujo grande, al cual le borré parte de las manchas negras para que no gasten mucho tóner o tinta de la impresora. Además les puse el ejemplo original en versión chica, sin borramientos.

Saludos.

Una decena más de acuarelas





Desnudo XII
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Watercolour Studio de 200 g/m2 prensado en frío
18 × 24 cm




Desnudo XI
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Watercolour Studio de 200 g/m2 prensado en frío
24 × 18 cm






Desnudo X
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
27.9 × 34.2 cm




Desnudo IX
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
27.9 × 34.2 cm




Desnudo VIII
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
27.9 × 33.1 cm





Desnudo VII
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
27.9 × 34.2 cm





Desnudo VI
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
27.9 × 34.2 cm








Desnudo V
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
26.2 × 30.5 cm








Desnudo IV
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
27.9 × 34.2 cm








Desnudo III
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 120 g/m2
20.2 × 14.8 cm





Pasteles y gouache para la clase

A segundo semestre:


PASTELES (23 de noviembre)
Comprar un estuche de pasteles secos (no grasos) de al menos OCHO colores.

Procurar, de ser posible, comprar aparte barras de otros colores muy claros, muy blanquecinos: azul, amarillo (crema), verde, rosa y beige.

Cualquier marca es buena: Deerwent, Stafford... Rembrandt es la mejor, pero también la más cara.

GOUACHE (30 de noviembre)
Colores de preferencia de la marca Atl:
- Blanco
- Amarillo NO DE LAS MARCAS RODIN NI VINCI
- Anaranjado
- Rojo (que sea muy vivo, no magenta) NO DE LAS MARCAS RODIN NI VINCI
- Violeta
- Azul (no claro, no el llamado "azul cielo", sino ultramar)
- Verde
- Café
- Negro

1 hoja de papel 100% algodón y para acuarela
Pinceles varios. P. ej.: de cerda, cuadrados y planos de los Nos. 14 y 20; y de pelo y redondos de los Nos. 6 y 8.



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domingo, 8 de noviembre de 2009

Esquema del cuerpo humano (para la clase de dibujo)

Alumnos: bajen e impriman esta imagen (que no dibujé yo, por cierto). Saludos.

Otras diez acuarelitas

















Desnudo II
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
20.2 × 14.8 cm










Desnudo I
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 120 g/m2
14.8 × 20.2 cm













Desnudo (silueta) I
2008
Grafito y acuarela sobre papel Canson tipo Montval Torchon de 270 g/m2 con «grano nube»
18 × 24 cm
















Chica no desnuda II
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
20.2 × 14.8 cm


















Chica no desnuda I
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Watercolour Studio de 200 g/m2 prensado en frío
24 × 18 cm





















Calcetines III
2008
Grafito, lápiz de color y acuarela sobre papel Canson tipo Montval Torchon de 270 g/m2 con «grano nube»
21.3 × 18 cm



















Calcetines II
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
34.2 × 27.9 cm


















Calcetines I
2008
Grafito y acuarela sobre papel Strathmore Drawing Medium de 130 g/m2
27.9 × 34.2 cm
















Ombligo I
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Watercolour Studio de 200 g/m2 prensado en frío
18 × 22.5 cm

Chica semidesnuda V
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
14.8 × 20.2 cm

Diez acuarelitas

Chica semidesnuda IV
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
20.2 × 14.8 cm





Chica semidesnuda III
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
20.2 × 12.5 cm





Chica semidesnuda II
2008
Grafito y acuarela sobre papel Canson tipo Montval Torchon de 270 g/m2 con «grano nube»
24 × 18 cm




Chica semidesnuda I
2008
Grafito y acuarela sobre papel Canson tipo Montval Torchon de 270 g/m2 con «grano nube»
24 × 16.3 cm



Desnudo sentado VI
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
20.2 × 14.8 cm




Desnudo sentado V
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
20.2 × 14.8 cm




Desnudo sentado IV
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
28.9 × 20 cm




Desnudo sentado III
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
20.2 × 14.8 cm




Desnudo sentado II
2008
Grafito y acuarela sobre papel Fabriano Accademia de 200 g/m2
20.2 × 14.8 cm



Desnudo sentado I
2008
Grafito y acuarela sobre papel Canson tipo Montval Torchon de 270 g/m2 con «grano nube»
24 × 18 cm


Manifiesto de EL OJO DE MEDUSA

[Éste es un texto redactado por los pintores Dhante Loyola, Javier Márquez, Inti Santamaría y Eduardo Tecozautla. Fue publicado en 2007 por la revista mexiquense Molino de letras; ésta versión corregida es la más reciente.]


EL OJO DE MEDUSA


... nada hay ya de belleza ni de consuelo salvo para la mirada que,
dirigiéndose al horror, lo afronta y, en la conciencia no atenuada de
la negatividad, afirma la posibilidad de lo mejor.
TH. W. ADORNO, Minima Moralia

El Ojo de Medusa es un colectivo de jóvenes artistas mexicanos. ¿Otro más? Pues sí, pero nos distinguen varios rasgos: 1) somos pintores, 2) somos figurativos, 3) buscamos una reacción emocional del espectador, 4) defendemos la forma estética frente a una predominancia del discurso conceptualista. Ésta es nuestra reflexión:

LA CAJA DE PANDORA

Partamos de una realidad: hoy a cualquier cosa le dicen arte. Desde el cuerpo propio o ajeno hasta ciudades enteras, pasando por metal, piedras, luz, agua, mercurio, sangre, semen, mierda, video, ruidos, manipulaciones genéticas, ramas y hojas, fetos animales o humanos, naves industriales, gases cancerígenos, electrocardiogramas, cultivos hidropónicos, papel, acciones de riesgo extremo, plástico, meras ideas o ¡incluso! óleo sobre tela, actualmente estamos en posesión del más grande acervo de materiales e «inmateriales» artísticos jamás disponible.

El legendario orinal duchampiano destapó la Caja de Pandora: a partir de él la vida y el arte se confunden mutuamente. ¿Es el arte derribado de su pedestal, o más bien es la realidad aupada al aura de lo museable? Poco importa: uno y otro término son ya espejos confrontados entre sí. La realidad sobreestetizada por el diseño, la Internet, los teléfonos que sirven de oficinas en miniatura, la ropa de vanguardia, la paredes marcadas con graffiti, los peinados a la moda y demás indicadores de gusto, de infinitos gustos, nos ahogan con un superávit de signos. La sociedad del simulacro y del consumo, la «pantalla total» y la superficialidad, toman el lugar de antiguas y graves cuestiones humanísticas y metafísicas. Todos somos ready-mades.

Hay un «ocaso de los dioses» en el que se eclipsan los referentes reales, los significados claros, las trascendencias, la estabilidad, la cosa-en-sí, las definiciones unívocas, las verdades objetivas o cualquier verdad. Todo queda en nada, en no creer nada, en no esperar nada. El resultado es que, hagamos lo que hagamos, cualquier cosa será arte si así lo decidimos.

Éste es el arte hegemónico o de mainstream, el arte de feria, supermercado o bienal. Es eminentemente aestético o «postestético» (Donald Kuspit), no estético. Es neo-, post- o tardoconceptual. Tal arte usa la forma como un simple medio para explicar un mensaje: una consigna, un sermón, un eslogan o una ocurrencia «chistosa». Es la ilustración (fotografiada, videograbada o incluso pintada) de una idea. A veces es sólo el trasplante a la obra de un pedazo de realidad cruda y banal.

Tal fenómeno artístico de infinitas posibilidades significa una riqueza. Obras impresionantes y conmovedoras, cuestionadoras, lúcidas, divertidas y críticas, nos han llegado gracias a una actitud radicalmente abierta, impensable hace apenas cien años, por ejemplo. Pero, por desgracia, abrir estas puertas de libertad también ha significado abrirlas a muchos charlatanes.

LOS EXQUISITOS

Al mismo tiempo que el arte es cada vez más amplio y variado, también su contenido adelgaza, se va desvaneciendo hasta no ser ni sombra de sí mismo. Es un «arte en estado gaseoso» (Yves Michaud) en el que, según dicen, todo vale, hasta la idea más gratuita y zonza, y cualquiera de nosotros puede ser un artista. Es más, quizá hasta todos somos ya artistas y no nos hemos dado cuenta.

No bastan los críticos y curadores para legitimar a semejantes artistas. Éstos mismos ya necesitan ser sus propios teóricos si quieren «hacerla». Huelga subrayar la oscuridad y el hermetismo de sus discursos rebuscados e indescifrables pero huecos y baratos. Hace falta leer 50 libros a modo de manual antes de poder entender qué peregrina puntada pasó por la cabeza del «creador». Heidegger, Wittgenstein y Derrida para entender las ocurrencias de un aspirante a Polo Polo.

El MERCADO absorbe entonces esta producción artística. Se desata a la sazón el vórtice de frivolidad, egoísmo, banalidad, trivialidad, simulacro, efectismo y cinismo. Muchos —no todos— de quienes lo hacen son artistas/autistas desconectados respecto del público, muchas veces propulsados por una saludable cantidad de dólares. Y tal actividad es percibida como «una diversión ociosa y hasta perversa para una sociedad internacional de clase media y alta en decadencia» (Pablo Helguera).

Es un arte cool para gente bonita totalmente Condechi asidua a las secciones de sociales y a las revistas rosas, pero revestida de pretensiones cultas. A estos especímenes los llamamos Exquisitos: arribistas y diletantes que viven de premios, becas, ventas y promoción en un mercado inflado, situaciones auspiciadas por políticas culturales ignaras. ¿Cuántos de éstos seguirán dedicándose al arte cuando ya no esté en boga? ¿Cuántos no serán mañana publicistas, empresarios restauranteros, escritores de best sellers, cantantes, actores de teleseries, conductores de radio, gigolós, diputados o —lo peligroso— profesores?

Buena parte del arte contemporáneo es un signo ideológico de ADSCRIPCIÓN SOCIAL, un signo de estatus. En el mero fondo de esa ideología sólo hay DINERO, y es desde el dinero que los coleccionistas (poco dados a teorizar) dictan qué es permisible y qué debe ser excluido.

¿Cómo reacciona el público? A la mayoría no le importa, o no sabe/no contesta. El arte autofágico y endogámico afecta a sus autores y compradores, y sólo a muy pocos más. Pero si uno decide dejarse de esnobismos y abandona los panegíricos del rebaño triunfal, la cosa es muy otra. Es como El traje nuevo del emperador: no tragamos el anzuelo y descubrimos inmediatamente que el monarca anda desnudo por la calle, como desnudas de contenido están innumerables obras del llamado arte alternativo, de cuya libertad tantos se aprovechan.

¿QUÉ HACER?

Dentro de tan devastado panorama ¿nos mesaremos los cabellos en apocalíptica indignación ante este «fin del arte»? ¿Denunciaremos la situación actual mientras somos presa de nostalgia por otras épocas? ¿Armaremos un berrinche de lloriqueos autovictimizantes y golpes de pecho? ¿Culparemos de todo al «imperialismo yanqui» y al «capitalismo burgués»? ¿A los conquistadores españoles de 1521? ¿Nos entregaremos al complejo del derrotado, agraviado y resentido social? ¿Declararemos que esos artistas son usurpadores, espurios y peleles, y nos autoproclamaremos únicos artistas legítimos?

La peor táctica es la de «ni los veo ni los oigo». Porque el hecho es que el arte postconceptual define hoy el canon artístico, y los Exquisitos ya predominan. Fingir que éstos son sólo una pandilla de lelos es ignorar su influencia, es como darle la espalda a un tornado. Es hacer de avestruz.

En el actual juego artístico no hay reglas: todo mundo hace lo que quiere sin más. Es como cuando, en Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, el Dodo y otros animales emprenden una carrera: «empezaban a correr cuando tenían ganas y paraban cuando querían, de modo que no era fácil saber si la carrera había o no terminado.» Hasta que la galopada finaliza y el Dodo proclama: «Todos ganaron, y todos deben recibir premio.» (Con la diferencia de que en el arte contemporáneo sólo pocos se reparten el pastel del dinero y del prestigio.) Cuando no hay reglas, las que sean, el juego deviene absurdo.

¿Traeremos, como evangelistas, la Buena Nueva de una «vuelta al orden» tras el caos del arte contemporáneo? ¿Sanearemos la moral artística? No, nada más triste que un sermoneador. Lejos de nosotros la vocación de clamar en el desierto.

Si el panorama es puro vacío, bailemos a nuestro aire en ese yermo y asumamos como propio tal disparate. Sin necesariamente reivindicar definiciones últimas ni esencias estables, diseminémonos como un virus con lo que tenemos que expresar. Asimilemos lo disponible como hacen los antropófagos (así lo recordó el brasileño Oswald de Andrade): el hombre de la Amazonia deglute al más valiente de sus enemigos para vigorizarse. Con las piezas existentes armemos nuestra propia estructura. Si todo es tan libre y ya no hay límites, también cabemos nosotros, aunque nuestra actitud no sea cool. Los Exquisitos ya impusieron el lenguaje dominante, y ellos lo usan para su verborrea. Con ese lenguaje les dirigiremos nuestras palabras.

En El Ojo de Medusa queremos alcanzar lugares inéditos dentro de la pintura. Estamos abiertos a explorar nuevos materiales, realizar permutaciones singulares de los espacios y formatos, abordar maneras inventivas de organizar la forma, hibridar nuestro lenguaje plástico hacia la gráfica y la tridimensión, o asumir reflexiones y cuestionamientos propios de prácticas postconceptuales o electrónicas (las que sí son serias), por ejemplo. No somos puristas. Y es que en el fondo nada recriminamos al arte contemporáneo. No estamos contra ese arte: es contra los artistas Exquisitos y su modito.

En concreto ¿qué proponemos como pintores?

¡ES LA ESTÉTICA, ESTÚPIDO!

Cuando no hay consenso acerca del significado o el sentido último de las obras de arte, lo principal que nos queda son las FORMAS: el aspecto externo de las obras, los elementos visuales evidentes que todos contemplamos. Podemos entonces manipular esas formas y entregarnos a sus posibles combinaciones infinitas.

Pero no se trata de formalismo, pues no atribuimos una entidad trascendental a las líneas y los colores como hicieron Konrad Fiedler, Heinrich Wölfflin, Henri Focillon o Roger Fry, por ejemplo. Antes bien, reconocemos en las formas un término que sirve como medio para expresar contenidos, significados no unívocos ni propios de una mera ilustración de una teoría preelaborada.

Nos importa lo formal porque en una obra estética (no postestética o conceptualista) la forma está unida intrínsecamente a un contenido: no puede modificarse el aspecto perceptible sin alterar el significado que transmite. Eso es la estética: en griego, aisthesis = percepción. El soporte físico, el regodeo en los colores, las texturas, las capas de óleo delgadas y espesas, las huellas y marcas del pincel, el goteo y los escurrimientos, el tejido del lienzo: todos ellos son aspectos esenciales de un arte pictórico fiel a sus técnicas y materiales. Cennino Cennini revisitado.

Tenemos una ética artesanal, manual. Profesamos uno de los antiguos atributos griegos del arte: areté = virtud o excelencia. Creemos que el ejercicio del arte requiere un compromiso constante, un desarrollo gradual, ordenado, sistemático, metódico y fundamentado en el rigor y la disciplina de la práctica cotidiana, con la cual se obtienen resultados sólidos. Cada pintura realizada de este modo es el producto de un proceso nada fácil. Que no entre aquí quien no sepa dibujar. Categóricamente, el dibujo es la estructura y base de todas las artes visuales: «la probidad del arte». Esto lo reforzamos con nuestra revalorización del dibujo académico.

En la estética el contenido no es expresable por meros conceptos: va más allá de lo intelectualmente enunciable. Por eso, en El Ojo de Medusa nuestro arte parte de lo visual y termina en lo visual (citando en otro contexto a Frank Stella, «lo que ves es lo que ves»: somos orgullosamente retinianos), pero puede pasar por una gran cantidad de contenidos posibles.

Entre esos contenidos, el cuerpo de la mujer y el cuerpo del hombre son los núcleos sobre los que gira nuestra obra. El ser humano concreto nos resulta un referente cardinal. Implica un contacto directo de una persona (que pinta) a otra persona (que es pintada), involucra una relación real yo-tú.

El cuerpo (bien) representado en una obra específica nos conecta con nuestros sentidos. Y la percepción sensible de la imagen busca generar una fascinación, un encanto en quien mira. Si la obra está exitosamente resuelta, se transforma en un microcosmos organizado cuyas partes se corresponden entre sí: es un orden, pero un orden otro, distinto del empírico. Y aprovechamos esa brecha que ha quedado entre el arte y la vida «real» para actuar en ella, no para confundir el arte con la mera experiencia cotidiana.

Tal orden se relaciona con la belleza, esa categoría hoy tan denostada. Nuestra idea de lo bello está tocada por el simulacro y el horror. Simulacro porque sabemos que la belleza es una ficción y, pese a todo, la necesitamos: no es ni más ni menos ficticia que nosotros. Y horror porque sólo tiene sentido cuando es parida por la necesidad de sanar una realidad terrible. La auténtica belleza nace del reconocimiento de lo negativo, de la mirada en el abismo: das Ungeheure (lo monstruoso, inmenso, estremecedor) nietzscheano, la Otredad que nos recuerda, contra la mera contemplación desinteresada, que en el arte «siempre es más allá» (Octavio Paz).

Hacemos cuadros en los que la pintura figurativa no sólo representa cosas visibles, sino que detona en el espectador un efecto emotivo intenso, para que a partir de él sea evocado un significado. De esa manera compartimos y nos comunicamos emocionalmente y de modo directo con el público. Lo que hacemos puede llamarse FIGURACIÓN EMOCIONALISTA.

Y, sobre todo, tenemos sinceridad con nosotros mismos y no fingimos ser lo que no somos sólo porque esté de moda en las galerías o entre los curadores más chic o in. No platicamos ni escribimos nuestras obras: las exponemos para que sean vistas.

Así como la Medusa encanta hasta petrificar a los que se le acercan, así nosotros buscamos seducir la mirada de quienes ven nuestras obras.

¡ARTISTA, NO SEAS PENDEJO! ¡APRENDE A DIBUJAR!




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EN EL PRINCIPIO

Éste es el blog de Inti Santamaría, pintor (México, DF, 1976).

En él voy a tratar cuestiones sobre todo de pintura, pero también de cuanto asunto pueda pasarme por la mente, como es normal en un blog cualquiera. Espero que pueda funcionar también como un foro para empezar a crear una comunidad más organizada entre los pintores mexicanos independientes de nuestra generación, ajenos a grupos influyentes o de poder, y quienes simpaticen con nosotros.

Ora pues, vámonos recio.